Filtering by: EXPOSICIÓN

Tus ojos, mis manos
Feb
7
to Feb 28

Tus ojos, mis manos

Sobre las paredes de la librería Tipos Infames se puede ver una selección de fotografías de Martina Matencio, que se estrena en el mundo editorial con el libro Tus Ojos, Mis Manos, junto con Alba Ribas en un delicado abrazo de versos y retratos. 

Las fotos viajan desde su encierro entre las tapas del libro Tus Ojos Mis Manos, para tomar forma y aumentar su fuerza. 

 

 

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DESNÚDATE by Martina Matencio
Feb
5
to Mar 1

DESNÚDATE by Martina Matencio

Desnuda tu cuerpo, desnuda tu alma.

Esta exposición surge del trabajo conjunto entre la fotógrafa Martina Matencio y el proyecto DESNÚDATE de Noemí Conde y Aizea Villarreal.

Casi 120 mil jóvenes presentan algún tipo de Trastorno de la Conducta Alimentaria, y a través de este proyecto buscan demostrar que se puede superar, que hay vida después, y que el futuro de estas personas está lleno de amor propio. 

Podrás ver las fotografías de Matencio durante todo el mes de febrero en ImaginCafé de Barcelona. Además, el viernes 23 darán una charla para explicar cómo ha sido el proceso de colaboración. 

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¿Qué llevabas puesto ese día?
Jan
21
to Mar 21

¿Qué llevabas puesto ese día?

Bruselas recoge la exposición “What were you wearing on that day?”, una iniciativa de los estudiantes de la Universidad de Kansas que ahora llega a Europa con un objetivo claro: dejar de culpabilizar a las víctimas. 

En apenas una veintena de casos, la exposición pretende que el visitante tome conciencia de que no existe un prototipo de persona más o menos proclive a sufrir agresiones sexuales. La violación puede ocurrir en cualquier ámbito, también en el de la pareja: “Llevaba un pantalón negro y una camisa blanca. Me preparaba para ir a trabajar. Comenzó a venir hacia el baño. Lo rechacé y le dije que no tenía tiempo. Todo se fue de las manos muy rápido”. Ni siquiera una policía armada es inmune al ataque: “Llevaba un uniforme de policía y tenía un arma conmigo. No sirvió de nada”.

Fuente: El País
Foto de Ewen Spencer

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Joana Biarnés
Oct
27
to Apr 26

Joana Biarnés

  • Palau Robert, Barcelona (map)
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Joana Biarnés (Terrassa, 1935) es la primera fotoreportera del periodismo catalán y español que fue ‘a contracorriente’, con valentía en una época de pensamiento único. Su legado fotográfico, que va desde el deporte hasta el reportaje social pasando por accidentes y catástrofes, muestra una etapa clave del siglo XX: los años de la España triste y empobrecida del franquismo y de los inicios de la democracia, con aspiraciones de libertad y obertura de una sociedad que recuperaba la ilusión. La mirada fotográfica de Joana Biarnés captó a esa sociedad cambiante y a los personajes más representativos en situaciones naturales y sorprendentes.

Primera fotoreportera

 ‘A contracorriente’ podría ser, no solo el título de la exposición, sino el espíritu que define la manera de vivir de Joana Biarnés, apasionada por una profesión que en su época ejercían únicamente los hombres. Supo luchar contra todas las adversidades: en los partidos de fútbol donde se la increpaba por ser mujer e ir con falda, motivo por el que se la quiso expulsar alguna vez del campo de fútbol; consiguiendo el billete de avión en el que viajaban los Beatles a Barcelona o subiendo por el montacargas hasta la planta del hotel Avenida Palace reservada para el grupo, y así poder llegar hasta su suite, donde Ringo Starr le abre la puerta, y consigue pasar tres horas con los componentes la banda.

Chema Conesa, fotógrafo y comisario de la exposición, destaca que  Joana Biarnés tenía un compromiso total con el periodismo, con el fotoperiodismo. ‘Ella creía –señala Chema Conesa– en la necesidad de hacer periodismo de un modo absolutamente honesto. Se acercaba mucho a los personajes, hablaba con ellos y de alguna forma construía su mundo. Era casi imposible resistirse, decir que no a una mujer tan cercana’.

Sobre la mirada femenina en fotografía, Chema Conesa explica que ‘era una cuestión nueva en la prensa de aquel momento. Ella buscaba el detalle que mejor podía definir mejor la noticia. Y ese detalle casi siempre era absolutamente femenino’.

Silvia Omedes, Directora de la Fundación Photographic Social Vision y representante de Joana Biarnés constata que ‘el espíritu documentalista, curioso por naturaleza de Joana Biarnés se puede ver reflejado en casi todos los trabajos realizados por ella, desde el retrato de famosos a sus trabajos en el mundo de la moda. El ojo cómplice de Joana Biarnés siempre estuvo atento a los detalles y gestos de la gente en la calle, como fina observadora  de la realidad social’.

La exposición ‘Joana Biarnés. A Contracorriente’, comisariada por el fotógrafo Chema Conesa y producida por la promotora cultural La Fábrica cuenta con el apoyo de la Fundación Photographic Social Vision y se podrá visitar del 27 de octubre al 2 de abril, en el Palau Robert.

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Mujeres y Punto
Oct
20
to Nov 18

Mujeres y Punto

  • ArtGia Areto & Sorgunea, Vitoria-Gasteiz (map)
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La exposición de la arista Eider Bernaola apuesta por reflejar la variedad del cuerpo femenino y por romper con los estereotipos comerciales y sociales creados en torno a la mujer, la belleza y el cuerpo. 

"Se trata de un proyecto surgido a partir de la idea de generar un encuentro entre mujeres y analizar, por medio de la fotografía el impacto que las imágenes que consumimos genera en las mujeres y nuestra autoestima en un momento en el que visibilizar con naturalidad a las mujeres es muy necesario”. Así la obra es un alegato por la mujer y su cuerpo, “¿Mujeres perfectas? ¿medidas ideales? ¿mujeres con curvas?”, se pregunta. “Es hora de cambiar el imaginario que nos rodea. Los cuerpos de las mujeres que vemos habitualmente a nuestro alrededor son perfectamente aptos para ser fotografiados, pero la realidad muestra que, en la práctica, son anulados”, explica. Todo lo que no se nombra, todo lo que no se ve a día de hoy no existe “y por eso mi intención es que se nos vea tal y como somos, tal y como queremos nosotras que se nos vea y no mediante las gafas de esa mentalidad masculina”, afirma.

Eider Bernaola (1992 Vitoria-Gasteiz), es fotógrafa profesional y su trabajo se ha centrado en la publicidad y la fotografía artística, de retrato y fotografía de desnudo. Con 22 años fundó una empresa de fotografía publicitaria. Tras esta experiencia decidió trabajar por su cuenta y seguir paralelamente con sus proyectos personales.

Interesada especialmente en la concienciación acerca de la desigualdad de géneros, el machismo y la violencia simbólica latente en las representaciones visuales, pretende analizar el impacto de las imágenes en nuestro crecimiento personal y conducta así como potenciar una forma diferente de crear imágenes eludiendo el sesgo machista que impregna el contenido audiovisual que nos rodea. Su obra personal refleja sus propias experiencias además de una fuerte crítica hacia el machismo y la desigualdad.

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DIÁLOGOS ENTRE EL SEXO, LA CLASE Y LA VIOLENCIA
Oct
20
to Jan 14

DIÁLOGOS ENTRE EL SEXO, LA CLASE Y LA VIOLENCIA

  • Azkuna Zentroa, Bilbao (map)
  • Google Calendar ICS
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MARGARET HARRISON. DIÁLOGOS ENTRE EL SEXO, LA CLASE Y LA VIOLENCIA

Azkuna Zentroa presenta del 20 de octubre de 2017 al 14 de enero 2018 la exposición 'MARGARET HARRISON. Diálogos entre el sexo, la clase y la violencia', comisariada por Xabier Arakistain. La primera retrospectiva de gran formato de esta artista británica, pionera del arte feminista.

La exposición propone un detallado recorrido por su carrera, que arranca con la reproducción de su primera exposición individual en 1971, clausurada por la policía al día siguiente de la inauguración.

La muestra recoge sus obras emblemáticas sobre la explotación laboral y sexual de las mujeres y también piezas más recientes, incluida una nueva, en las que la cuestión de la mirada feminista ocupa un lugar central.

Más info aquí.

 

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¿Archivo Queer? Imaginarios de acción y placer. Madrid 1989-1999
Aug
26
to Sep 27

¿Archivo Queer? Imaginarios de acción y placer. Madrid 1989-1999

  • Centro Conde Duque, Madrid (map)
  • Google Calendar ICS

El porvenir de la revuelta | World Pride Madrid 2017

Partiendo de la experiencia del activismo queer del Madrid de los 90, esta muestra plantea un importante ejercicio de reelaboración de la práctica misma del archivo.

Tras el rápido proceso de institucionalización que siguió a la transición a la democracia en los años 80, hacia el final de la década comenzaron a aparecer nuevas identidades políticas. Eran tiempos de crisis económica, de azote de la pandemia del sida, agresiones contra identidades no normativas y de homofobia institucionalizada.

Es en ese momento, con la aparición de los grupos LSD y la Radical Gai en la escena activista madrileña, cuando irrumpe el movimiento queer en el Estado español. Estos grupos problematizan el contexto político dominante mediante la conexión con redes militantes internacionales, la traducción de textos, la edición independiente y la agitación. Sus prácticas políticas surgían de la espontaneidad y la necesidad del momento, del deseo y la acción para el cambio. Ambos grupos rechazaban los ideales de la autoría individual, de la creación original y del gran estilo a favor de una creación anónima y coral. LSD y La Radi proponían una estética callejera y de denuncia a base de pegatinas, pósters, performances, chapas, camisetas serigrafiadas, fiestas… con un marcado interés anti-comercial.

Iniciado por Fefa Vila Núñez, Sejo Carrascosa, Andrés Senra y Lucas Platero durante una residencia de investigación en el Museo Reina Sofía, ¿Archivo Queer? es un repositorio abierto consistente en imágenes, publicaciones, vídeos y textos. El Archivo es un palimpsesto que pretende subvertir las formas de categorización heterocentradas y patriarcales a través de su propia constitución y exposición, cuestionando el modo en que el saber y la experiencia son tanto archivados como relatados. En este sentido, los materiales se articulan en torno a cinco grupos temáticos que pretenden rescatar las dimensiones históricas, sociales, afectivas, estéticas y emocionales de un activismo que se empeñado en poner la propia vida en el centro de su política: Cuerpo / Memoria / Políticas de vida y muerte / La radicalidad del lenguaje / Fiesta.

Con motivo de El porvenir de la revuelta, el ¿Archivo Queer? se ha ampliado con la producción del documental ERREQUETEERRE. Realizado por Dauder García, Lucas Platero y Andrés Senra, la película de 80 minutos recoge tanto documentos audiovisuales como entrevistas a lxs activistas del colectivo RQTR, primera asociación universitaria LGTB del Estado español que inició su andadura en 1994 y cuya actividad se prolonga hasta hoy.

Como apéndice de la muestra, la artista y compositora electroacústica francesa Floy Krouchi, colaboradora habitual de LSD, presenta una instalación sonora en torno a la memoria de las luchas queer y feministas.

Ficha técnica

Comisariado
Colectivo En Construcción

Exposición realizada en colaboración con Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y Van Abbemuseum de Eindhoven

El porvenir de la revuelta

Coincidiendo con la celebración del Orgullo Mundial en Madrid, en 2017 se cumple también el 40 aniversario de la primera manifestación pública en el Estado que exigía la derogación de la Ley de Peligrosidad y Rehabilitación Social que criminalizaba a lesbianas, gays, transexuales y otrxs disidentes sexuales. El 26 de junio de 1977 las travestis, trans, lesbianas y gays organizados salieron a la calle para reclamar la libertad sexual secuestrada bajo el franquismo. Con este motivo, El porvenir de la revuelta propone recurrir a la memoria crítica de las luchas LGTBQI como modo de releer la historia reciente e iluminar los deseos de transformación que agitan las luchas presentes.

Sede de la Biblioteca Histórica, el Archivo de Villa y la Hemeroteca Municipal, el Centro Cultural Conde Duque es una suerte de almacén de la memoria de la ciudad. Las exposiciones presentadas en la Sala de Bóvedas funcionarán como una suerte de contra-archivo vivo.

Así, las dos exposiciones presentadas en el Centro Cultural Conde Duque pretenden reivindicar el legado de los activismos LGTBQI locales y la vigencia de las prácticas culturales emergidas durante la llamada “crisis del sida” en el Sur Global desde mediados de los años ochenta.

 

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Subversivas. 40 años de activismo LGBT en España
Jun
23
to Oct 1

Subversivas. 40 años de activismo LGBT en España

NUESTRO DESEO ES UNA REVOLUCIÓN

Imágenes de la diversidad sexual en el Estado español (1977-2017)

 

Algunas de las obras expuestas incluyen imágenes con contenido sexual explícito. Algunas de las secciones de la exposición no son aptas para menores de 18 años.

 

Una revisión de la cultura audiovisual LGTBIQ en España desde la primera manifestación en defensa de los derechos de gays y lesbianas en septiembre de 1977 en Barcelona, hito que marca el inicio de la militancia sexual en nuestro país, hasta el presente. 

Nuestro deseo es una revolución muestra cómo diversas prácticas artísticas y discursivas gays, lésbicas y queer han combinado los lenguajes de las vanguardias artísticas y la iconografía y modos de hacer de las subculturas de la calle para politizar la representación del cuerpo y la sexualidad, para cuestionar el funcionamiento de las esferas pública y privada y para releer la historia hegemónica que invisibiliza a los sujetos marginales.

La vocación experimental y abiertamente política de la imagen queer ha quedado relativamente relegada en décadas recientes, tras los años álgidos de la crisis del SIDA, debido a la asimilación de la sexualidad gay-lésbica-queer a un nicho de mercado y al auge de reivindicaciones más orientadas a la gestión del ámbito privado (derecho al matrimonio entre personas del mismo sexo) que a la transformación colectiva de la sociedad, como pretendía gran parte del activismo de los años setenta y del movimiento queer posterior.

Frente a estas estrategias de normalización, esta exposición recuerda la tradición de experimentación formal ligada a la disidencia sexual en el arte, una experimentación motivada por la conciencia de que para dar cuenta de una revolución sexual y social sin precedentes, aún en marcha, había que reinventar los modos de crear y narrar, de articular imágenes y de utilizar los medios artísticos.

Artistas y colectivos presentes en la muestra:

Carlos Aires, Florencia Aliberti, Pedro Almodóvar y Fabio McNamara, Alexander Apóstol, Manu Arregui, Cecilia Barriga, Biel Capllonch, Tino Casal, Gabriel Casas, Eduardo Chicharro, Javier Codesal, Joan Colom, Fito Conesa, Xavier-Daniel, Diego del Pozo, Luis María Delgado, David Domingo, Lucía Egaña, Pepe Espaliú, Jacinto Esteva, Alex Francés, Carmela García, Miguel Ángel Gaüeca, Jean Genet, Coco Guzmán, Juan Hidalgo, William James, Jana Leo, LSD, Jesús Martínez Oliva, Marisa Maza, Pepe Miralles, Joan Morey, Nazario (Nazario Luque Vera), Ocaña, Pedro Ortuño Mengual, Alvaro Perdices, Pablo Pérez Mínguez, Guillermo Pérez Villalta, Ventura Pons, Gregorio Prieto, Rodrigo (Rodrigo Muñoz Ballester), José Romero Ahumada, Francesc Ruiz, Azucena Vieites, Virginia Villaplana Ruiz e Iván Zulueta.

Cabello/Carceller (Helena Cabello y Ana Carceller), Costus (Juan Carrero y Enrique Naya), Dias & Riedweg (Mauricio de Mello Dias y Walter Stephan Riedweg), Els 5 QK’s, Equipo Palomar (Mariokissme y R. Marcos Mota), Jeleton (María Angeles Alcántara y Jesús Arpal), Post-Op, O.R.G.I.A (Beatriz Higón, Carmen Muriana y Tatiana Sentamans), Subtramas  (Virginia Villaplana Ruiz, Diego del Pozo, Montse Romaní), Toy Tool Films, Video-Nou.

Comisariado: Juan Guardiola y Juan Antonio Suárez

Diseño expositivo: Ángel Borrego Cubero (O-S-S)  

Programa El Porvenir de la Revuelta

www.madridcultura.es/orgullo-mundial/el-porvenir-de-la-revuelta

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En un círculo de rebeldes
Jun
1
to Sep 17

En un círculo de rebeldes

  • Museo del Romanticismo, Madrid (map)
  • Google Calendar ICS

Karlheinz Weinberger (Zúrich, 1921) empezó a realizar fotografías de adolescente tras entrar a formar parte del club de fotografía Bund der Naturfreunde. En los años 40 se unió al famoso club gay underground “Der Kreis” y comenzó a publicar sus fotos en con el seudónimo de Jim. A finales de los 50 conoció a jóvenes inadaptados de las calles y los hizo posar en un espejo ustorio improvisado en el apartamento de su madre o durante sus excursiones por el campo suizo.

Durante más de 20 años retrató a aquellos jóvenes que reciclaban los símbolos de Rebelde sin causa y creaban e inventaban los suyos propios a través de la customización de su vestuario. Chaquetas vaqueras con adornos rudimentarios, grandes cinturones y medallones hechos a mano eran las señas de identidad grupales de la juventud de Zúrich tras la II Guerra Mundial, decididos a romper con la corrección suiza. Weinberger se acerca aquí a todos aquellos adolescentes y sus símbolos, que buscaban desafiar los roles tradicionales de masculinidad y feminidad.

Biografía de Karlheinz Weinberger.

Karlheinz Weinberger, nacido en Zúrich en 1921, empezó a realizar fotografías de adolescente tras entrar a formar parte del club de fotografía Bund der Naturfreunde donde mejoró su técnica. En los años 40 se unió al famoso club gay underground “Der Kreis” y comenzó a publicar sus fotos en con el seudónimo de Jim. A final de los 50 conoció a los jóvenes inadaptados de las calles y los hizo posar en un ustorio improvisado en el apartamento de su madre o durante sus excursiones en el campo suizo.

Trabajó durante toda su vida como mozo de almacén de la fábrica de Siemens, pero dedicó todo su tiempo libre a su pasión, la fotografía. Durante varios años siguió a estos jóvenes que reciclaban los códigos de Rebelde sin causa y creaban e inventaban unos trajes provocativos. Su serie dedicada a los bikers, rockers y jóvenes rebeldes ofrecen un sorprendente retrato una inconformista Suiza. Durante mucho tiempo ignorado, este trabajo vita revela, con una gran amabilidad y toque de ironía, una generación de post guerra en búsqueda de identidad. Descubierto por el público poco después de su muerte en 2006, el trabajo de Karlheinz Weinberger ha sido expuesto en todo el mundo y recogido en muchas publicaciones.

Entre sus últimas exposiciones destacan:
Portraits, 1959-1987, Maccarone Gallery, New York en 2014; The Rebels , Galerie Esther Woerdehoff, Paris, Oliver Mueller Gallery, Zurich, Switzerland e Intimate Stranger , Museum für Gegenwartskunst, Basel, Switzerland en 2011; Rebelles, Musée Nicéphore Niépce, Chalon sur Saône, France, Intimate stranger, Swiss institute, New York, Halbstarke to Bikers in Color, Anna Kustera Gallery, New York, Rebels, Galerie cubus-m, Berlin, Germany, Intimate Stranger, Presentation House Gallery, North Vancouver, Canada en 2008; Karlheinz Weinberger : Vintage Prints : Belt, Jackets, Couples and More, Anna Kustera, New York en 2003; Karlheinz Weinberger : Vintage Prints : Belt, Jackets, Couples and More, Nicole Klagsbrun, New York, Marc Foxx Gallery, Los Angeles, USA en 2002 etc.

 

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 Fue un hombre sin moralidad
May
31
to Sep 24

Fue un hombre sin moralidad

  • Círculo de Bellas Artes, Madrid (map)
  • Google Calendar ICS

La obra de Pierre Molinier nos muestra un universo cargado de sexualidad. Pintor de profesión y proveniente de una familia modesta, tuvo una vida transgresora que convirtió en objeto de su expresión artística. El inconformismo hacia su cuerpo y el desdoblamiento de su personalidad fueron otras de las características de su obra. Fue amigo de Breton, expuso en múltiples muestras, y sin embargo, su obra es prácticamente desconocida para el público.

La muestra reúne alrededor de 40 fotografías procedentes de la galería Kamel Mennour y dos colecciones particulares que desvelan un halo heterodoxo respecto a una sexualidad en la que el fetichismo y el travestismo son los protagonistas. Esta selección, fechada en torno a los años 60, muestra la ambigüedad sexual en la que Molinier, siempre travestido y a veces acompañado, alejado de la hipocresía moral, despliega una visión onanista de la sexualidad a través del uso de objetos.

Biografía de Pierre Molinier.

Como su padre antes que él —era pintor de brocha gorda y la madre, costurera—, Molinier se pegó un tiro en la boca y se suicidó en 1976 en la misma ciudad en la que vivió casi toda la vida, Burdeos. Aunque había gozado de cierta fama en vida al encandilar a los surrealistas —jóvenes burgueses que predicaban la disipación pero la reducían a burdeles y absenta—, sentía que la salud le abandonaba y le alejaba del gozo de los placeres. Cuando era joven había declarado: "Si fuera impotente, me mataría".

Excesivo y autosuficiente, quería ser riguroso sin abandonar la experimentación: preparaba pigmentos de revelado en los que mezclaba su esperma, tenía relaciones sexuales con las muñecas que retrataba, cosía y hacía arreglos a mano en las prendas interiores femeninas que utilizaba para travestirse, en ocasiones como dominatrix, en otras como inocente discípula. En las obras que dejó preparadas para El chamán y sus criaturas era Dios y Satanás, multiplicaba su cuerpo mediante fotomontajes y manipulaba las señales de género sexual para que nada fuese claro.

Nació el 13 de abril de 1900 en el seno de una familia de artesanos de Agen, su padre era pintor de «brocha gorda» y su madre costurera, con trece años comenzó a trabajar como aprendiz de pintura con su padre asistiendo por la tarde a clases de dibujo. En 1919 se trasladó a Burdeos y comenzó a trabajar por cuenta propia pintando edificios, actividad que desarrolló hasta 1960.
Sus trabajos pictóricos entre 1920 y finales de la década de 1940 fueron figurativos y trataron temas clásicos de paisajes, retratos y naturalezas muertas, que podrían encuadrarse en un tipo de impresionismo en los paisajes y de expresionismo en los retratos. En 1951 presentó un trabajo a medio camino entre la figuración y la abstracción que provocó impacto en la burguesía de Burdeos y se calificó de indecente. Sin embargo envió una copia de su trabajo y de algunos de sus poemas a André Breton que los recibió con gran entusiasmo mostrando su apoyo y proponiéndole una exposición en París.

Sus autorretratos travestidos fueron una forma de experimentar la androginia,2 pero también le convierten en uno de los precursores del body art. La técnica que empleaba normalmente para realizar estos autorretratos era el fotomontaje combinando diferentes tomas parciales de su cuerpo.3 Su trabajo es bastante extenso y se estuvo exponiendo cada año en Burdeos durante su vida. Sin embargo, quizá no sea tan reconocido como otros fotógrafos de la época.
Se suicidó en Burdeos el 3 de marzo de 1976 mediante un disparo en la boca.

 

Más info en PHotoESPAÑA

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Pistas de baile (Ciudad Juárez, Chihuahua, México)
May
31
to Sep 17

Pistas de baile (Ciudad Juárez, Chihuahua, México)

En la última década, Teresa Margolles ha centrado su práctica artística en Ciudad Juárez (México), trágicamente conocida por las guerras entre cárteles de la droga, desapariciones y los brutales asesinatos de cientos de mujeres.

Esta serie muestra a trabajadoras sexuales transgénero ocupando los restos de lo que antes fueron pistas de baile de clubes nocturnos, hoy demolidos. Teresa Margolles ha trabajado en estrecha colaboración con ellas, lo que le ha permitido ahondar en las complejidades y dificultades que estas mujeres experimentan en su día a día: exclusión, discriminación y un alto índice de muertes por crímenes de odio.

Para estas fotografías, Teresa Margolles señalizó las pistas de baile con agua, remarcando su ubicación exacta. Las figuras se vuelven parte de un paisaje en el que las ruinas y la devastación son protagonistas. No obstante, ellas muestran su mejor cara, como reafirmándose a sí mismas en medio de la violencia y la destrucción.
 

 

Biografía de Teresa Margolles.

Teresa Margolles estudió Arte en la Dirección de Fomento a la Cultura Regional del Estado de Sinaloa (DIFOCUR), Ciencias de la Comunicación en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y Ciencias Forenses en el Servicio Mexicano Forense.

En 1990, Margolles fundó con Arturo Angulo Gallardo, Carlos López Orozco y Juan Luis García Zavaleta el colectivo artístico Proyecto SEMEFO (siglas del Servicio Mexicano Forense). A través de diversas perfomances e instalaciones, este colectivo se dedicó a la exploración de los fluidos corporales, los objetos utilizados en el proceso forense, las pertenencias de los cuerpos y los cuerpos mismos, como materia esencial para tratar la violencia social y la muerte en México. Definieron su trabajo como "una aproximación estética no tanto al tema de la muerte como al de los cadáveres en sus distintas fases, incluyendo sus implicaciones socioculturales".

La práctica artística de Margolles porterior al proyecto SEMEFO (finalizado en 1998) ha continuado con la exploración de estos temas, utilizando material forense y restos humanos. Parte de su trabajo se concentra en recolectar imágenes, materiales, material orgánico y objetos que hagan referencia a las interacciones humanas, los rastros de vida, los restos y huellas que deja la violencia, y cómo se afectan las redes humanas a través de ella. Sus obras Tarjetas para picar cocaína, Autorretratos o Línea Fronteriza, son algunos ejemplos sobre cómo aborda y trata estos temas a lo largo de su obra.

En 1994 realizó su primera exposición individual, Lavatio Corporis, en el Museo de Arte Carrillo Gil, en la que utilizó restos de fetos y cuerpos de caballos. En 2006 realizó una de sus obras fundamentales en la Bienal de Venecia, titulada ¿De qué otra cosa podríamos hablar?, en la que utilizó sangre derramada en la guerra contra el narcotráfico en México, recuperada a través de agua caliente y telas, para fregar una vez al día el suelo del palacio que albergaba la Bienal.

Ha realizado numerosas exposiciones de manera individual y en grupo, y ha recibido distintos premios y reconocimientos a su obra. En 2012 fue reconocida con el Premio Príncipe Claus que otorga la Fundación Príncipe Claus en Holanda, y el 5º Premio Artes Mundi de arte contemporáneo internacional. Tiene dos obras (Bandera I y 37 cuerpos) en la colección del Tate,

Más info aquí.

 

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Pistas de baile (Ciudad Juárez, Chihuahua, México)
May
31
to Jun 4

Pistas de baile (Ciudad Juárez, Chihuahua, México)

  • Ayuntamiento de Madrid, CentroCentro Cibeles y PHotoESPANA (map)
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En la última década, Teresa Margolles ha centrado su práctica artística en Ciudad Juárez (México), trágicamente conocida por las guerras entre cárteles de la droga, desapariciones y los brutales asesinatos de cientos de mujeres.

Esta serie muestra a trabajadoras sexuales transgénero ocupando los restos de lo que antes fueron pistas de baile de clubes nocturnos, hoy demolidos. Teresa Margolles ha trabajado en estrecha colaboración con ellas, lo que le ha permitido ahondar en las complejidades y dificultades que estas mujeres experimentan en su día a día: exclusión, discriminación y un alto índice de muertes por crímenes de odio.

Para estas fotografías, Teresa Margolles señalizó las pistas de baile con agua, remarcando su ubicación exacta. Las figuras se vuelven parte de un paisaje en el que las ruinas y la devastación son protagonistas. No obstante, ellas muestran su mejor cara, como reafirmándose a sí mismas en medio de la violencia y la destrucción.
 

Biografía de Teresa Margolles.

Teresa Margolles estudió Arte en la Dirección de Fomento a la Cultura Regional del Estado de Sinaloa (DIFOCUR), Ciencias de la Comunicación en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y Ciencias Forenses en el Servicio Mexicano Forense.

En 1990, Margolles fundó con Arturo Angulo Gallardo, Carlos López Orozco y Juan Luis García Zavaleta el colectivo artístico Proyecto SEMEFO (siglas del Servicio Mexicano Forense). A través de diversas perfomances e instalaciones, este colectivo se dedicó a la exploración de los fluidos corporales, los objetos utilizados en el proceso forense, las pertenencias de los cuerpos y los cuerpos mismos, como materia esencial para tratar la violencia social y la muerte en México. Definieron su trabajo como "una aproximación estética no tanto al tema de la muerte como al de los cadáveres en sus distintas fases, incluyendo sus implicaciones socioculturales".

La práctica artística de Margolles porterior al proyecto SEMEFO (finalizado en 1998) ha continuado con la exploración de estos temas, utilizando material forense y restos humanos. Parte de su trabajo se concentra en recolectar imágenes, materiales, material orgánico y objetos que hagan referencia a las interacciones humanas, los rastros de vida, los restos y huellas que deja la violencia, y cómo se afectan las redes humanas a través de ella. Sus obras Tarjetas para picar cocaína, Autorretratos o Línea Fronteriza, son algunos ejemplos sobre cómo aborda y trata estos temas a lo largo de su obra.

En 1994 realizó su primera exposición individual, Lavatio Corporis, en el Museo de Arte Carrillo Gil, en la que utilizó restos de fetos y cuerpos de caballos. En 2006 realizó una de sus obras fundamentales en la Bienal de Venecia, titulada ¿De qué otra cosa podríamos hablar?, en la que utilizó sangre derramada en la guerra contra el narcotráfico en México, recuperada a través de agua caliente y telas, para fregar una vez al día el suelo del palacio que albergaba la Bienal.

Ha realizado numerosas exposiciones de manera individual y en grupo, y ha recibido distintos premios y reconocimientos a su obra. En 2012 fue reconocida con el Premio Príncipe Claus que otorga la Fundación Príncipe Claus en Holanda, y el 5º Premio Artes Mundi de arte contemporáneo internacional. Tiene dos obras (Bandera I y 37 cuerpos) en la colección del Tate.

 

Más info en PhotoEspaña.

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Anarchivo sida. Producciones culturales en torno a la "crisis del sida"
May
27
to Sep 24

Anarchivo sida. Producciones culturales en torno a la "crisis del sida"

  • Centro Cultural Conde Duque, Madrid (map)
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El porvenir de la revuelta | World Pride Madrid 2017

Un acercamiento al VIH/sida no tanto como epidemia médica, sino como cambio de paradigma visual, afectivo y económico.

La exposición Anarchivo sida. Producciones culturales en torno a la “crisis del sida” en el Sur de Europa y América Latina. 1985-2016 toma como punto de partida la producción cultural en torno a la “crisis del sida” en el sur de Europa y América Latina, con especial atención a Chile y algunos casos del Estado español. El proyecto aborda el VIH /sida no solo como epidemia médica, sino como cambio de paradigma visual, afectivo y económicoen plena convivencia con la consolidación de las políticas neoliberales y del proceso de globalización.

No se plantea una “exposición de archivo”, sino que más bien el archivo se constituye en el mismo hecho de su exposición. Tras tres años de investigación y producción de materiales, Anarchivo sida se presenta como exposición. En el diseño de la muestra colabora la artista Carme Nogueira.

Se propone un recorrido por parte de la historia reciente del cuerpo y su gestión política a partir de la clásica articulación naturaleza/cultura y estas tres cuestiones: la salud —entendida como la convención por la cual algunos cuerpos son considerados normales y otros enfermos—, la tendencia histórica a establecer una división drástica entre el humano y el animal, y la dimensión cultural de la muerte.

Se reúnen producciones de artista y documentos que van desde mediados de la década de los ochenta hasta 2016 procedentes de diversos contextos, como Euskadi, Andalucía, Madrid, Barcelona, Valencia, Chile, Colombia, Brasil o Guatemala.

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DAVID BOWIE IS
May
25
to Oct 15

DAVID BOWIE IS

  • Museo del Disseny, Barcelona (map)
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El Victoria and Albert Museum de Londres obtuvo un acceso sin precedentes al ‘David Bowie Archive’ para comisariar la primera retrospectiva internacional sobre la extraordinaria trayectoria de David Bowie, uno de los artistas más innovadores e influyentes de nuestro tiempo.

DAVID BOWIE IS explora los procesos de David Bowie como músico innovador e icono cultural, a través de un recorrido por su estilo cambiante y su reinvención constante durante más de cinco décadas.

La exposición reúne más de 300 objetos, que incluyen fotografías, películas, videos musicales, portadas de discos, letras manuscritas, vestuario original, diseños de escenarios, instrumentos del propio Bowie y numeroso material inédito de los conciertos del artista, facilitado por el ‘David Bowie Archive’ y donantes de todo el mundo.

¿Aún no lo tienes claro? Pues visita la web y sal de dudas.

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1.000 m2 DE DESEO
Oct
26
to Mar 20

1.000 m2 DE DESEO

La exposición investiga cómo se han proyectado, construido e imaginado los espacios para el sexo en la sociedad occidental desde el s. XVIII hasta nuestros días. 

A través de unas 250 piezas, entre dibujos y maquetas de arquitectura, instalaciones artísticas, audiovisuales, libros y otros materiales, la exposición explora el poder que ejercen los espacios como motor del deseo y muestra cómo la arquitectura ha contribuido al control de los comportamientos y a la creación de los estereotipos de género en nuestra sociedad patriarcal.

La muestra presenta algunos de los proyectos que se han distinguido por subvertir los modelos tradicionales y postular utopías de convivencia sexual o espacios privados concebidos exclusivamente para el placer. Revisa las propuestas de Claude-Nicolas Ledoux, Charles Fourier, Sade, Guy Debord, la arquitectura radical de los años sesenta y setenta, Carlo Mollino, Adolf Loos, Nicolas Schöffer, Wilhelm Reich, la arquitectura de Playboy y la obra de arquitectos y artistas contemporáneos.

«1.000 m2 de deseo» sostiene la necesidad de revisar la vigencia e interés de algunos proyectos especulativos radicales que parecen hablarnos directamente desde una distancia, en algunos casos, de más de dos siglos. Invita a considerar cómo se construyen las sexualidades de acuerdo a determinados códigos culturales sujetos a normas corporales y discursivas, y cuál es el espacio del deseo y el placer en nuestra sociedad.

La exposición pone de manifiesto cómo la creación de ciertos paréntesis de resistencia a lo normativo nacen sobre todo de la arquitectura informal y de la apropiación de lugares. Evidencia cómo la práctica de la arquitectura ha estado dominada hasta muy recientemente por hombres y que, en consecuencia, los espacios propuestos para el placer se imaginan desde un deseo y una fantasía masculinos.

La arquitectura, como diseño físico del espacio y como atmósfera, forma parte sustancial de nuestras fantasías. Muchos de los espacios expuestos no se han realizado nunca, solo han sido imaginados y se han construido a través del lenguaje o la imagen proyectada.

La propuesta se desarrolla en tres capítulos temáticos: Utopías sexuales, Refugios libertinos y Sexografías, e incluye varios espacios autónomos que funcionan como «miniexposiciones», comisariados, cada uno de ellos, por diferentes especialistas: una reproducción del Centro de Entretenimientos Sexuales de Nicolas Schöffer (Eléonore de Lanvandeyra Schöffer y Guillaume Richard), un gabinete de lectura de ficción libertina (Marie-Françoise Quignard), una instalación dedicada a la arquitectura y a la revista Playboy (Beatriz Colomina y Pep Avilés) y una sala de cine porno a la manera de las de los años setenta (Esther Fernández).

También presenta la instalación de nueva creación Right Into Her Arms, de William Kentridge, que el artista sudafricano ha realizado en el marco de su puesta en escena de la ópera Lulú, de Alban Berg.

Fuente: CCCB

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